谢赫的《古画品录》将道家"气韵生动"之说化为具体的绘画准则，这种将玄学理论与艺术实践相互印证的做法，与管仲以天道论治国的思路如出一辙。中国艺术批评的独特之处正在于此——它从来不是冰冷的技法分析，而是用整个文化体系的思维来观照具体创作。当我们用"六法"品评画卷时，实际上是在进行一场跨越千年的哲学对话。 尤其耐人寻味的是"骨法用笔"与"经营位置"之间的辩证关系。前者强调笔墨的内在生命力，后者注重画面的结构秩序，这不正暗合《易经》中"一阴一阳之谓道"的智慧吗？我在临摹古画时总感觉，真正的笔墨功夫不是在纸面上较劲，而是要让手腕的力道与呼吸的韵律形成某种天人感应。谢赫把这种难以言传的体验归纳为可循的法则，既保存了艺术的神秘性，又提供了切实的入门路径。 当代人常误解"传移模写"是扼杀创造性的教条，其实它揭示了中国艺术传承的精髓。就像庄子所说的"得意忘言"，真正的临摹不是复制形迹，而是在笔墨往复间完成精神的传递。我见过不少画家临古画越临越有个性，这恰恰证明了谢赫的高明——他制定的不是束缚创造力的枷锁，而是打开传统的钥匙。 最令人叹服的是谢赫将"气韵生动"置于六法之首。这四字箴言道破了中国艺术的核心机密：优秀的作品必须具有与宇宙同频的生命节奏。就像我们欣赏八大山人的荷花，那些枯笔淡墨之所以动人，正是因为画出了天地万物的呼吸感。这种审美标准至今仍在影响我们的艺术判断，当我们在美术馆前驻足，本能地被某些作品吸引时，实际上正在无意识地运用谢赫的品鉴智慧。

在绘画理论尚未系统化的时代，谢赫的《古画品录》依然具有重要的参考价值。在没有严格评判标准的情况下，优秀的绘画创作需要依靠天赋过人的画家，以及一批见解独到的鉴赏家共同努力才能实现。谢赫提出的"六法"为后世提供了一个清晰的评判框架，虽然没有强制执行的可能，但确实为绘画艺术确立了基本准则。 我觉得这本书最有意思的地方在于谢赫对具体画家的评价。他夸顾恺之的时候说"格体精微，笔无妄下"，批评的时候又说"迹不逮意"。他对陆探微的评价特别高，说"穷理尽性，事绝言象"，但对张墨、荀勖就直言"但取精灵，遗其骨法"。这些评价都很直接，让人能清楚知道每个画家的长处和短处。 最有趣的是谢赫评价自己的老师时也很客观，既肯定其"笔迹利落"，又指出"气韵不周"。这种实事求是的态度在古代艺术批评中很少见。读这些评价时，仿佛能看到当时画家们创作的情景，以及谢赫认真品评的样子。

谢赫《古画品录》以"六法"为纲，却似悬鹄而射，其论每多语焉不详。所谓"气韵生动"究竟何指？千载之下，犹令人辗转反侧。姚最续作，虽欲补苴罅漏，然"立万象于胸怀"之说，更添云雾。细读其品第文字，如陆探微"穷理尽性"之评，恍若禅家机锋，令人既觉其妙，复疑其玄。注家多困于骈俪文风，或执训诂而失神髓，或骋玄谈而离本真。尝见董逌《广川画跋》牵合老庄，愈解愈纷；张彦远虽称精鉴，亦不免以己意度古人。今人欲窥六朝画论真面，当先祛"以今律古"之蔽，尤须比对顾恺之《论画》残篇，参以敦煌壁画画迹。然最可叹者，莫过谢赫贬顾恺之"迹不逮意"，而后世摹本满天飞，孰为真龙？思之惘然。

看完《古画品录》总觉得很困惑，谢赫那套"六法"理论说得头头是道，可为什么后世画家越画越匠气？古人强调"气韵生动"，但我们现在看那些宫廷画师的工笔花鸟，死板得连羽毛都像用尺子量出来的。最让我想不通的是，他们把"经营位置"说得那么重要，可宋代以后那些构图公式化的山水画，怎么看都像是同一个模子刻出来的。谢赫可能没想到，他用来解放画家的理论，最后反而成了束缚创作的教条。 我总觉得古人太理想化了，以为定下几条标准就能让艺术永葆生机，可艺术最怕的就是变成标准答案。那些被奉为圭臬的"六法"，在画院考试里变成了僵化的评分标准，画家们不是在追求神韵，而是在死磕技法。这就好比把鲜活的鱼儿做成了标本，虽然形似，但早没了那股子灵动劲儿。看着那些被奉为经典的画论，有时候会想：是不是越是把艺术说得明明白白，反而离真正的艺术就越远？

谢赫的《古画品录》中反复强调"气韵生动"这一核心概念。"虽画有六法，罕能尽该，而自古及今，各善一节"这句话明确指出绘画的六个基本法则，但最重要的是"气韵生动"。这个标准被用来评判画作的高低。它不是简单的技法要求，而是对作品内在生命力的衡量。 "气韵生动"这个概念贯穿全书。谢赫用这个标准评价了27位画家。比如他称赞卫协"虽不该备形妙，颇得壮气"，批评丁光"非不精谨，乏于生气"。这些评价显示出他对作品精神层面的重视超过对形似的追求。 谢赫的品评体系对后世影响深远。他把画家分为六个等级，每个等级都有明确标准。第一品的陆探微被认为"穷理尽性，事绝言象"，这个评价体现了他最推崇的艺术境界。相比之下，第六品的画家只能"粗写大意"，缺少更深层的表现力。 《古画品录》建立的中国绘画批评体系持续了上千年。谢赫提出的"六法"成为后世评画的基本准则。其中"气韵生动"这一条尤其重要，它代表了中国艺术独特的审美取向。