读谢赫的《古画品录》，总有种在迷雾中摸索的困惑。他将绘画分为六法，说得头头是道，可细究起来又觉玄之又玄。气韵生动究竟该如何把握？骨法用笔又该怎么理解？这些概念就像老子的道，似乎触手可及，却又遥不可及。 古人作画讲究天人合一，这倒与易经的阴阳平衡有异曲同工之妙。可问题是，当谢赫用这套标准来品评画家时，为何总让人觉得他在自相矛盾？他推崇陆探微"穷理尽性，事绝言象"，却又批评顾恺之"迹不逮意"。这评判标准就像易经的卦象，似乎永远在变动不居。 更让人困惑的是，谢赫把绘画的品评体系弄得如此严密，却又处处透露着主观性。他把张僧繇列为下品，可后世却奉为画圣。这种反差，就像道德经所说"大道至简"，可实际操作起来却复杂万分。我们是否太过执着于建立标准，反而背离了艺术的本质？ 六法中的"经营位置"最是耐人寻味。这不正是易经中强调的方位布局吗？可当艺术创作被条条框框束缚时，那"气韵生动"又从何谈起？就像管仲的治国之道，表面上强调秩序，实则暗藏变通。谢赫的六法是否也在暗示：规则是用来打破的？ 最让我不解的是"传移模写"。临摹固然重要，但若一味模仿，艺术的创新性何在？这就像人类社会，既要遵循天道运行，又要保持人道活力。绘画艺术是否也面临着同样的悖论：既要传承古法，又要突破创新？ 读罢掩卷，反而更加迷茫。谢赫的品评体系就像一面棱镜，让我们得以多角度审视古代绘画，却也折射出无数难以解答的问题。或许正如老子所言"知者不言"，真正高明的艺术批评，反而应该保持沉默？

翻开《古画品录》，仿佛走进了一个充满迷雾的艺术世界。谢赫笔下那些看似清晰的六法标准，实则暗藏着南朝绘画批评的深刻困惑。在那个艺术与哲学交织的时代，画家们究竟在追寻什么？是形似还是神韵？是技巧还是意境？这种迷茫感始终萦绕在字里行间，让人不禁思考：艺术的标准真的可以被量化吗？ 谢赫将陆探微列为第一品，却对顾恺之颇有微词，这种品评本身就透露出一种矛盾。陆探微的"穷理尽性"与顾恺之的"传神写照"，究竟孰优孰劣？谢赫推崇前者，或许反映了南朝时期对理性思辨的偏好，但顾恺之笔下人物的灵动神韵，难道不是另一种至高的艺术境界？这种品评标准的摇摆，恰恰折射出当时艺术批评的迷茫状态。我们仿佛能看到谢赫在写下这些文字时的犹豫与挣扎，他试图建立一套体系，却又不得不面对艺术本身的不可捉摸性。 六法中的"气韵生动"与"骨法用笔"之间，也存在着微妙的张力。前者强调画作的生命力，后者注重技法的严谨。这种二元对立让人困惑：到底应该追求自由挥洒的灵性，还是恪守传统的法度？谢赫给出的答案似乎模棱两可，他既赞赏张僧繇的"师心独见"，又推崇陆探微的"穷理尽性"。这种矛盾的态度，或许正是艺术批评永恒的困境——我们永远在感性与理性、创新与传统之间寻找平衡。 细读《古画品录》，会发现谢赫对"古意"的推崇尤为耐人寻味。他批评刘瑱"纤细过度"，却赞赏毛惠远"纵横逸笔"。这种评判标准中隐含的复古倾向，与其说是明确的艺术主张，不如说是一种对传统价值的迷茫追寻。在那个动荡的年代，艺术家们既想突破前人窠臼，又渴望回归某种纯粹的艺术本源。这种矛盾心理，让《古画品录》的每一句评语都带着几分不确定。 当我们放下书本，眼前浮现的不仅是那些被品评的画作，更是谢赫本人面对艺术评判时那份深刻的困惑。他试图用六法来厘清绘画的高低优劣，却无意中暴露了艺术批评本身的局限性。或许这正是《古画品录》最打动人心的地方——它不仅记录了一个时代的艺术成就，更记录了一个批评家在面对永恒艺术命题时的迷茫与思索。这种迷茫，至今仍在每一个热爱艺术的人心中回荡。

什么古画品录，全是废话。书里说的道理谁都知道，画得好就是好，画得差就是差，还要写成书，真是闲着没事干。你打开看也浪费时间，合上看也浪费时间。高兴时候不用看，烦心时候看了更烦。懂画的人不用看，不懂画的人看了也白看。画就在那里放着，看了书也不会画得更好。还不如直接去看画。

"六法者何？一气韵生动是也，二骨法用笔是也，三应物象形是也，四随类赋彩是也，五经营位置是也，六传移模写是也。"

"六法者何？一气韵生动是也，二骨法用笔是也，三应物象形是也，四随类赋彩是也，五经营位置是也，六传移模写是也。"